La Film Symphony Orchestra zarpa desde Valencia rumbo a su nueva Odisea
Un día después de su estreno absoluto en Madrid, la Film Symphony Orchestra, bajo la batuta de su director, Constantino Martínez-Orts, inició con notable éxito su nueva gira en Valencia, en un Palau de la Música con las entradas agotadas desde hacía semanas. Lo hizo con un espectáculo titulado Odisea, que aprovecha el tirón popular del largometraje homónimo de Christopher Nolan, que ha arrasado en taquilla este verano, aunque sin utilizar su música.
Como en anteriores proyectos, el formato ofrece una selección de partituras que gira en torno a un concepto abstracto; en este caso, el del viaje, tanto épico como interior. Así, el programa combina piezas ya interpretadas en otros conciertos con creaciones inéditas, en teoría acordes con la temática, aunque la inclusión de alguna de ellas, como veremos, parece cogida con alfileres.
No es el caso de la obertura del concierto. No se me ocurre mejor manera de abrir la velada que el famosísimo prólogo de 2001: Una odisea del espacio (1968), una vibrante fanfarria para metales, timbales y órgano. Este fragmento musical ha quedado en la memoria colectiva como una de las cumbres de la música cinematográfica, aunque no fue concebido para la gran pantalla. Corresponde al inicio del poema sinfónico Así habló Zaratustra, de Richard Strauss, que Stanley Kubrick decidió utilizar tras descartar el trabajo original de Alex North.
La primera mitad continuó con el delicioso tema principal, a ritmo de vals, de La vuelta al mundo en 80 días (1956), de Victor Young. Un clásico imperecedero de Hollywood en el que las secciones de cuerda y madera evocan el viaje en globo de Phileas Fogg y su fiel escudero, Passepartout. Otro referente de la edad de oro, El mago de Oz (1939), se encargó de abrir la segunda mitad. Su interpretación discurrió algo apresurada en los pasajes más rítmicos, aunque ganó serenidad en «Over the Rainbow», melodía que inmortalizó Judy Garland y que brilló con luz propia gracias a la voz de la cantante solista.
Durante la velada también sonaron clásicos modernos que no faltan casi nunca en estos conciertos. Pero ¿quién se resiste a la quintaesencia melódica de John Barry, que entrelaza la languidez de las cuerdas, la fragilidad de las maderas y la épica de las trompas en Memorias de África (1985)? ¿Y quién no se conmueve con la sutil interpretación de la concertino en el tema de amor escrito por Andrea Morricone (y arreglado por su padre, Ennio) para Cinema Paradiso (1988), que transporta al oyente a uno de los desenlaces más bellos del séptimo arte?
El momento surrealista llegó cuando, tras la emoción de Cinema Paradiso, el conjunto acometió, sin la habitual introducción explicativa de su director, la cabecera de la serie televisiva Falcon Crest (1981-1990), que, a priori, no encajaba en la temática. Al finalizar, Martínez-Orts confesó que llevaba años intentando incorporarla a su repertorio y, al no encontrar el momento ideal, decidió hacerlo ahora. Nada que objetar: la partitura del celebrado serial, protagonizado por la pérfida Angela Channing, es un hit catódico de referencia firmado por Bill Conti, a quien muchos recordarán como el autor de la icónica banda sonora de Rocky (1976).
El director de la FSO, declarado admirador del sinfonismo que reinó desde finales de los setenta hasta mediados de los noventa, no dejó pasar la ocasión de deleitarnos con selecciones de títulos célebres de ese periodo. El género aventurero estuvo representado por Los Goonies (1985) y Dragonheart (1996). De la primera se optó por el juguetón scherzo que Dave Grusin compuso para la persecución inicial, con aires de ópera bufa rossiniana y guiños al mickey-mousing. Dragonheart, una de las obras más aclamadas de Randy Edelman, contiene pasajes heroicos y otros de una elevada carga emocional, como el leitmotiv del dragón, una hermosa y retentiva melodía perfectamente capturada por el corpus orquestal.
Como ejemplo de epopeya histórica se incluyó El último emperador (1987), con un planteamiento musical diferente al de las anteriores. Aquí, Ryuichi Sakamoto (en colaboración con David Byrne y Cong Su) fundamentó la obra en la escala pentatónica china mediante instrumentos tradicionales como el guzheng y el erhu, aunque armonizados al modo occidental. La FSO resolvió hábilmente la ausencia de esta instrumentación exótica otorgando todo el protagonismo a las flautas y los violines.
Volvió el sinfonismo ampuloso y enérgico con dos películas de ciencia ficción de nombre similar, pero de periodos y dinámicas diferentes. Los metales y la percusión lideraron tanto la vibrante fanfarria de Jerry Goldsmith para Star Trek (1979) como la suite de David Arnold para Stargate (1994), repleta de crescendos de gran efecto que tenían como cometido suplir los pasajes corales ausentes en esta ocasión.
Las páginas más ovacionadas por la sala fueron Gladiator (2000), que puso el broche a la primera parte, así como Avatar (2009) e Interestelar (2014), en la recta final. Las peripecias de Máximo Décimo Meridio se ilustraron con una selección muy bien estructurada y resuelta, que desgranaba los principales motivos que Hans Zimmer creó para el film: la familia, el emperador Cómodo, el honor o el ejército romano. Este último fragmento bélico, deudor del influyente Marte de Gustav Holst, hizo lucirse a los metales y a la implacable percusión antes de desembocar en una espiritual y afinada versión vocal de la célebre «Now We Are Free», interpretada originalmente por Lisa Gerrard.
La aportación de Zimmer en Interestelar se convirtió en toda una experiencia auditiva (gracias, en parte, a la amplificación del sonido), en la que la orquesta desplegó todo su potencial para arropar el dúo de piano y órgano de su hipnótico tema principal. La extensa suite de Avatar también resultó impresionante a pesar de prescindir de los coros y la instrumentación étnica; los músicos al completo, ayudados por la voz solista y sus propias onomatopeyas vocales, captaron la esencia del característico estilo de James Horner, incluido su omnipresente danger motif de cuatro notas.
El programa oficial concluyó con una suite de Howard Shore para El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo (2001), algo dispersa y con menor intensidad que las precedentes, pero impecablemente ejecutada y beneficiada por la excelente aportación de la cantante solista en el tema de la Comarca y en la canción «May It Be», compuesta e interpretada por Enya en los títulos finales del film. Por cierto, ¿se animará la FSO a abordar en el futuro la música de las siguientes entregas de la monumental trilogía de Shore?
Como cabría esperar, hubo tiempo para un par de bises. El primero, los créditos iniciales de la serie Juego de tronos (2011-2019), de Ramin Djawadi, que sonaron algo desangelados por falta de fuelle en las cuerdas. El segundo, el tema de John Williams para la cantina de Star Wars (1977), convertido ya en sello de identidad de la FSO y colofón festivo para cerrar el encuentro en comunión con el público.
Llegado el final, solo queda desear a la Film Symphony Orchestra una feliz Odisea. En su Ítaca valenciana, el público ya espera su regreso el próximo Día de Todos los Santos para disfrutar de su concierto dedicado al cine de terror.
Roberto Tortosa
Ha colaborado también como crítico de cine en el diario Valencia Hui y ha escrito sobre música y bandas sonoras en la revista FTV; y sobre patrimonio histórico y cultural en la revista R&R, Rehabilitación y Restauración. También ha publicado microrrelatos en antologías colectivas.
Es autor, además, de los libros «La Valencia Insólita», «La Valencia Insólita 2» y «Conjuntos históricos de la Comunidad Valenciana».
