Wanted: duelo de pistolas y violines en el Palau de la Música
El pasado domingo, el Palau de la Música de Valencia se pobló de pistoleros, indios, cazadores de recompensas y heroicos sheriffs llegados desde el lejano Oeste americano. Y es que la Film Symphony Orchestra, bajo la batuta de su incansable director, Constantino Martínez-Orts, volvía a casa para ofrecernos Wanted, un concierto temático dedicado a las bandas sonoras del western. Un género en el que la épica, el sentido de la aventura y la inmensidad de los espacios abiertos han inspirado algunas de las páginas musicales más memorables de la historia del cine, capaces de evocar praderas infinitas y cabalgadas de jinetes errantes sin necesidad de una sola imagen en pantalla.
Es tarea imposible compilar en un solo concierto todo este inmenso legado musical, pero aun así pudimos disfrutar durante dos horas y media de un cuidado repertorio que encontró el equilibrio entre los clásicos imperecederos de la edad de oro de Hollywood y los neowesterns de las décadas de los ochenta y los noventa.
Para ello se optó por un programa que, en su casi totalidad, recuperó piezas ya interpretadas en giras anteriores, al que se añadieron novedades como la suite de Wyatt Earp. Una selección impecable de temas imprescindibles en cualquier antología que se precie, aunque se hubiese agradecido la inclusión de algún título más reciente o de alguna composición de western europeo más allá de las imprescindibles de Ennio Morricone.
Los miembros de la FSO, ataviados con indumentaria temática —por lo que en esta ocasión perdonamos su tendencia al histrionismo y al espectáculo para todos los públicos— desplegaron toda su energía y profesionalidad con resultados a menudo brillantes, aunque con alguna que otra decisión musical mejorable.
Abrió la primera parte del concierto el tema principal de La conquista del Oeste —el colosal fresco histórico que en 1962 reunió a Ford, Hathaway y Marshall tras las cámaras—, cuya timidez en la percusión palideció ante el vibrante ostinato rítmico de la partitura original de Alfred Newman; un defecto que he podido observar también en la interpretación de este mismo tema por otras orquestas en directo. Más acertada, en cambio, estuvo esa misma sección —flanqueada por los registros graves del fagot y del contrafagot— manteniendo el pulso en el obsesivo e inexorable crescendo de la obertura de Los odiosos ocho (2015), donde Morricone alcanza una tensión casi insoportable.
Es lógico pensar que un género cinematográfico como el western, que hunde sus raíces en un periodo histórico tan concreto e irrepetible, se nutra de las fuentes de la Americana, la música clásica estadounidense impulsada por autores tan influyentes como Aaron Copland —cuyo ballet Appalachian Spring es quizás su expresión más genuina— o Virgil Thomson. Dicha influencia impregna bandas sonoras como la de Horizontes de grandeza (1958), de
Jerome Moross, cuyo tema principal es, más que ningún otro, la quintaesencia musical de la épica de los espacios abiertos que pregona el género y que la FSO supo transmitir vívidamente. Los mismos valores de la Americana los encontramos tamizados por los inconfundibles estilos de Elmer Bernstein y John Williams en sendas suites de Los siete magníficos (1960) y Los cowboys (1972), respectivamente. La primera suite, algo irregular en su desarrollo, se benefició del ímpetu de su «magnífico» tema principal — posiblemente el más icónico y reconocible del género—, mientras que se notó más fluidez en la sincopada suite a ritmo de hoedown con la que Williams rinde homenaje al legado de Copland.
Precisamente ese espíritu fronterizo vertebra también la obra de Dimitri Tiomkin, una de las figuras indiscutibles del género. Nacido en la actual Ucrania, Tiomkin aportó nuevos aires al western al combinar el romanticismo tardío heredado de los maestros rusos con la tradición folk americana, creando un sonido propio que el compositor resumía con una frase poética: los cosacos de las estepas y los vaqueros de las praderas compartían el mismo horizonte.
Con Solo ante el peligro (1952), Tiomkin instauró además la costumbre de introducir en la banda sonora una canción a modo de balada narrativa que sirviese de hilo conductor a la acción —una convención que transformaría para siempre el lenguaje del género—. «Do not forsake me, oh my darlin’» fue interpretada con acierto y entusiasmo por el vocalista invitado, al igual que una divertida versión de la sintonía de la serie televisiva Rawhide (1955-1966), que habría hecho las delicias del mismísimo Frankie Laine.
El bloque dedicado al compositor ruso-ucraniano culminó con una suite de El Álamo (1960) —con alguna transición no demasiado hilvanada— en la que desfilaron los leitmotivs principales en versión instrumental (Ballad of the Alamo, The Green Leaves of Summer y Tennessee Babe) y ese fúnebre y trágico «Degüello» para trompeta solista que Tiomkin tomó prestado de la tradición militar mexicana para la partitura de Río Bravo (1959) y que Morricone convertiría en una de sus señas de identidad sonoras para el spaghetti western.
Los clásicos de los cincuenta y sesenta alternaron con los grandes títulos de finales de siglo con buen criterio. La levedad de las trompas, el legato de las cuerdas y la solemnidad de la trompeta en Bailando con lobos (1990) capturaron esa melancolía por los espacios abiertos que tan bien supo reflejar John Barry en Memorias de África (1985). Tuvimos también la oportunidad de escuchar y contraponer dos visiones musicales sobre un mismo hecho histórico llevado al cine en múltiples ocasiones: el mítico duelo en el O.K. Corral, donde Wyatt Earp y Doc Holliday se enfrentaron a muerte con la banda de los Clanton en octubre de 1881.
La suite de Wyatt Earp (1994) nos devolvió a un James Newton Howard en sus mejores momentos —un compositor de registro amplísimo que a veces pasa injustamente desapercibido—, y el corpus orquestal supo sacarle partido con la interpretación de su memorable tema principal y su delicado tema nupcial.
Para Tombstone (1993), uno de los mejores neowesterns de la época y película que el tiempo no ha tratado con la generosidad que merece, Bruce Broughton compuso uno de los end titles más potentes que se recuerdan: un poderoso tema central para metales y percusión combinado con un precioso tema de amor a ritmo de vals que la FSO supo bordar con exquisita delicadeza.
Y Broughton aún nos deparaba uno de los mejores momentos de la velada: la fabulosa suite de Silverado (1985), con ese cautivador sinfonismo melódico que tanto se echa de menos en las bandas sonoras actuales, cada vez más domesticadas por el minimalismo electrónico. La orquesta, pletórica y ya en la recta final de la segunda parte, contagió los valores de aventura, heroísmo y camaradería que hacen de Silverado —película y música— toda una declaración de amor al género.
Como era de esperar, el entusiasmo del público estalló con la música de Ennio Morricone para las películas de Sergio Leone. La orquesta desplegó toda la imaginería sonora característica —silbidos, onomatopeyas, birimbao, flautas de pico, guitarras eléctricas…— con la que el maestro italiano deconstruyó, revolucionó y redefinió para siempre el concepto de música para western y que, paradójicamente, ha quedado como el paradigma del género en la memoria colectiva de los aficionados, por encima incluso de los grandes títulos americanos.
Brilló la trompeta tex-mex en modo solista en Por un puñado de dólares (1964) y La muerte tenía un precio (1965), entablando un duelo —e incluso un «trielo»— en El bueno, el feo y el malo (1966). La armónica, en cambio, sonó discreta al inicio de Hasta que llegó su hora (1968), un instrumento que en la secuencia inicial de la película adquiere una dimensión casi mitológica y que aquí quedó desaprovechada.
Cabe destacar, en cambio, el impresionante registro vocal de la soprano, que emocionó en el hermoso tema de Jill de Hasta que llegó su hora y que alcanzó su cima con el apoteósico «El éxtasis del oro» de El bueno, el feo y el malo, ese crescendo de voz y orquesta que supuso el broche de oro antes de los bises.
Para el cierre, Constantino ofreció dos piezas fuera de programa. La primera, la inmortal melodía de Bonanza (1959-1973), que el público ovacionó efusivamente. Y la segunda, el inevitable tema de la cantina de Star Wars (1977), con el que la FSO habitualmente cierra sus conciertos, una composición que, a priori, parece ajena a la temática del programa. Pero si lo piensas bien: un puñado de forajidos bebiendo en una taberna de mala muerte en el lugar más polvoriento de la galaxia. ¿Acaso hay algo más western que eso?
Roberto Tortosa
Ha colaborado también como crítico de cine en el diario Valencia Hui y ha escrito sobre música y bandas sonoras en la revista FTV; y sobre patrimonio histórico y cultural en la revista R&R, Rehabilitación y Restauración. También ha publicado microrrelatos en antologías colectivas.
Es autor, además, de los libros «La Valencia Insólita», «La Valencia Insólita 2» y «Conjuntos históricos de la Comunidad Valenciana».
