Jorge Fortea: Madera, vacío y el legado del artista-artesano en Russafa
En el corazón de un edificio centenario que antaño albergó la fontanería Agustín Amorós, Jorge Fortea Gallart (Valencia, 1996) libra una «lucha silenciosa» por la memoria de los oficios. Graduado en Bellas Artes pero formado en la sabiduría de sus abuelos artesanos, Fortea ha convertido su estudio, ColorElefante, en un laboratorio donde la pintura deja de ser una superficie para convertirse en un cuerpo tangible. Su obra nace de un gesto radical: el día que decidió perforar la chapa para dejar entrar la luz real. Hoy, sus piezas habitan la frontera entre la ebanistería y la plástica, reivindicando una imperfección humana que la era digital no puede replicar.
El diálogo con la materia
1. Su obra se sitúa en una «frontera» entre categorías. ¿En qué momento sintió que el lienzo tradicional se le quedaba corto y necesitó recurrir a la madera para expandir su lenguaje?
Todo surgió de manera orgánica. Comencé pintando sobre chapa con bastidor, en lugar de lienzo de tela. Me atraía la robustez del material y las posibilidades que me ofrecía.
Una noche, mientras trabajaba en una pieza, sentí que los límites del plano me asfixiaban, que encarcelaban la forma. Era de madrugada, llevaba horas pintando. Tenía clara la imagen central, pero el fondo se resistía. La frustración crecía con el paso de las horas y fue entonces cuando lo vi claro, le di la vuelta al pincel y de un golpe, perforé la chapa hasta abrir un gran hueco que dejaba ver la pared. A través de ese vacío, la luz natural, las sombras y proyecciones comenzaron a formar parte de la obra.
Ahí comprendí que el plano ya no era suficiente. Ese gesto impulsivo marcó el inicio de un proceso de investigación que continúa hasta hoy. Mi trabajo actual no sería posible sin aquel momento, en el que mi ruptura emocional rompió también el plano
2. Usted reivindica la figura del artista-artesano. En plena era de la reproducción digital, ¿qué valor ético y estético encuentra en el uso manual de cuchillas, sierras y lijas?
Reivindicar la figura del artista-artesano es, para mí, una forma de mantener vivo el contacto real con la materia. Me encanta trabajar manualmente la madera, creo un vínculo con la pieza a través del esfuerzo y el tiempo que exige usar medios tradicionales. Estéticamente genera una imperfección humana que no deja de ser parte de mi impronta y de un proceso que no desprecia la huella del artista.
Con ello no menosprecio la reproducción digital, la veo como una evolución natural y parte del progreso. Pienso que puede convivir perfectamente con el trabajo manual, adaptarse y combinarse. Para mí, ambas formas se complementan; la tecnología abre caminos y el oficio aporta humanidad.
3. El uso de técnicas de ebanistería sugiere una conexión con los oficios tradicionales. ¿Existe en su formación una herencia familiar o un aprendizaje de taller que haya condicionado esta forma de trabajar?
Desde pequeño he convivido con el arte. Por una parte, mi madre se graduó en Bellas Artes y es una formidable artista; ella me introdujo en la pintura y allanó el camino con visitas a museos e infinidad de consejos. A esto se suma que mi abuelo paterno, así como su padre, fueron artesanos valencianos que trabajaron durante años la madera y el metal. Todo ello despertó en mí una inquietud temprana por ambos ámbitos, origen directo de mi estilo e investigación artística.
En 2019 me gradué en Bellas Artes por la Universidad de Valencia. Más allá de mi formación académica, me nutro del conocimiento de los artesanos de siempre, recojo sus consejos y trato de comprender cómo responde cada tipo de madera, porque, como materia viva que es, entran en juego muchos factores.
Considero fundamental que ese saber no se pierda. Éticamente, como nieto de artesano, siento la responsabilidad de contribuir a su preservación.
4. El claroscuro en su obra no es solo una ilusión pintada, sino una interacción con luces y sombras reales gracias al volumen. ¿Cómo calcula el ángulo de los cortes y ensambles para que la luz del espacio complete la obra?
Es un proceso muy intuitivo, tanto si la pieza combina un claroscuro plástico con la superposición de elementos como si la imagen se crea a partir del ensamblaje de piezas y sombras arrojadas. Hay un punto de anticipación e inconsciencia en el proceso, voy tallando ciertas partes, rebajando su densidad o añadiendo elementos, combinando tonos de roble, abedul o pino, con la imagen final de la obra en mi cabeza y un boceto en el ordenador. Este último me ayuda a saltar de una parte a otra de la pieza sin perder la visión global.
Es difícil de explicar, pero es un proceso muy personal que he ido adaptando a mis necesidades, teniendo en cuenta mis virtudes y, sobre todo, mis carencias
5. ¿Influye la veta o la naturaleza propia de la pieza de madera elegida en la composición final, o es el material el que se doblega totalmente a su diseño previo?
Siempre influye, pero a diferentes niveles dependiendo de la obra. En mi trabajo hay un diálogo constante entre el diseño y el material. Muchas veces son las propias vetas de la madera o incluso la forma en que almaceno las piezas en el estudio las que despiertan la idea, ese momento en el que el cerebro hace “clic”. En esos casos, el camino lo marcan directamente las formas de una pieza concreta y, a partir de ahí, las transformaciones posteriores van modificando su aspecto, aunque siempre intento conservar la esencia inicial que me inspiró.
Otras veces parto de un diseño más definido, pero nunca fuerzo del todo el material. La veta, la densidad o pequeñas imperfecciones pueden modificar decisiones sobre la marcha. El uso del barniz también me permite recrear maderas más exóticas o difíciles de conseguir, lo que amplía las posibilidades del proceso creativo.
Al final, la obra nace del equilibrio entre lo que imagino y lo que la madera me permite construir.
6. Russafa ha sido históricamente un barrio de pequeños talleres. ¿Siente que su trabajo en ColorElefante ayuda a mantener vivo ese espíritu de «oficio heredado» frente a la gentrificación del arte?
Creo que aporto mi granito de arena en una lucha silenciosa, en la que los barrios ven amenazada su esencia. No vivo la gentrificación solo como un problema, sino también como un reto, hacer convivir lo contemporáneo con lo heredado. Mi intención es que el espacio siga siendo un lugar de producción real, no solo de exhibición, donde el oficio tenga presencia y el proceso sea tan importante como el resultado.
Trabajar en Russafa es convivir a diario con su historia y con la memoria de los pequeños talleres que han dado forma al barrio. En ColorElefante conecto directamente con sus raíces. Situada en un edificio centenario protegido, fue una de las primeras galerías de la zona y hoy funciona como coworking artístico, con una trayectoria marcada por decenas de exposiciones y el trabajo compartido de varios artistas. Antes fue una conocida fontanería y aún conserva cartelería y elementos de sus orígenes como taller, algo que para mí tiene un gran valor simbólico.
Por todo ello, intento que mi práctica contribuya a mantener vivo ese espíritu del oficio heredado, buscando un equilibrio desde el que la identidad del barrio todavía pueda sobrevivir
7. El proceso de incisiones y superposiciones de planos requiere una planificación arquitectónica previa. ¿Cómo es el bocetaje de una obra que debe encajar perfectamente mediante ensambles?
Aunque pueda parecer un proceso puramente arquitectónico, el bocetaje en mi caso combina planificación e intuición. Suelo partir de un diseño previo en ordenador que me permite entender la composición general, las proporciones y cómo encajarán los distintos planos mediante ensambles. Ese boceto funciona como una guía estructural que me ayuda a no perder la visión global cuando estoy trabajando físicamente la pieza.
Sin embargo, no es un plano cerrado. Cuando paso al material, la madera interviene. Las vetas, la densidad o pequeñas variaciones pueden hacer que ajuste medidas, profundidades o superposiciones. El proceso de incisión y ensamblaje requiere precisión, pero también escucha. Al final, la obra se construye en ese equilibrio entre la planificación técnica y el diálogo con una materia viva que nunca responde igual.
La obra de Jorge Fortea es una invitación a tocar la pintura y a sentir el peso de la tradición en cada incisión. Si quieres descubrir cómo este «artista-artesano» transforma la madera en su refugio de Russafa, no te pierdas la próxima ruta ‘Camins d’Art Russafí’.
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Fecha: Sábado 28 de febrero.
Hora: 11:00h.
Inscripciones: Camins d’Art Russafí
